Pop e op art

Pop Art

Origem do nome O primeiro a utilizar essa denominação foi o crítico inglês Lawrence Alloway, em 1954, para designar os produtos da cultura popular ocidental, principalmente os que vinham dos Estados Unidos (como cinemas e histórias em quadrinhos).

 Surgimento Foi um movimento que começou a tomar formato final da década de 50, quando alguns artistas estudaram símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos e passaram atransformá-los em tema de suas obras.

 Representação As obras desse movimento representavam os componentes mais ostensivos da cultura popular, aqueles que tinham uma grande influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX.

 Pop Art e o Expressionismo  A Pop Art, por ser figurativa, surgiu em o posição ao expressionismo abstrato, que dominava acena estética desde o final da Segunda Guerra Mundial. Alguns críticos até consideram esse movimento uma maneira do artista se distanciar da dura realidade da guerra.

Objetivo Tinha como objetivo criticar o modo de produção do capitalismo, criticar a sociedade devido ao uso exagerado dos objetos de consumos.

 Produção Produzia suas obras com signos estéticos massificados da publicidade e do consumo usando materiais como tinta acrílica, poliéster e latéx e produtos com cores intensas, brilhantes e vibrantes. Reproduzia os objetos do cotidiano em tamanho grande, transformando assim o real em hiper-real.

Características estéticas • Serigrafia• Montagens de fotografias feitas a partir de recortes de revistas • Anúncios e cartazes publicitários• Uso de pinturas de formas simples, sem volume ou luz e sombra. • Cores fortes e chamativas• Estilo fabril de produção• Impessoalidade nas obras Artista: Andy Warhol Obra: Marilyn Monroe

Os temas das obras Eram retirados dos meios de comunicação e dos produtos consumidos• Quadrinhos, cantores, atores, carros, pin- ups eram retratados à exaustão. • A pop arte é uma forma de critica e ao mesmo tempo de celebração à sociedade capitalista

Contradição Ao mesmo tempo em que a Pop Art criticava o modo de produção e consumo exagerados, se apoiava e necessitava desses objetos, utilizando-os como inspiração e muitas vezes os multiplicando, fazendo a ilustração de um mesmo objeto diversas vezes na mesma obra. Esta técnica ficou conhecida como serigrafia.

 Principais Representantes No meio de tantos artistas, podemos destacar os americanos Andy Warhol e Roy Lichtenstein. Mas podemos citar também os americanos Robert Rauschenberg, Wayne Thiebaud e o inglês Peter Blake.

 Pop Art no Brasil Nesta época, no Brasil, iniciava-se um período de ditadura. Portanto boa parte das obras produzidas no Pop Art. brasileiro trazia referência às denúncias de tortura e violência. Encontrou-se nesse movimento uma maneira de se opor a repressão. As obras refletiam nosso cotidiano, o que fez com que a Pop Art. do Brasil ganhasse seu próprio estilo, onde predominava a temática social dos anos 60.

 Comparação da Pop Art. americana e brasileira Em comparação a Pop Art americana a brasileira era mais precária, porém não perdia sua qualidade artística e conceitual. Enquanto a americana era produzida com técnicas e materiais de boa qualidade, a brasileira se desenvolveu utilizando materiais alternativos e reaproveitados. E foi com essa precariedade que a Pop Art brasileira encantou o público.

 Artistas do Pop Art brasileiro Dentre os artistas brasileiros, destacam-se Nitsche, Claúdio Tozzi, Wesley Duke Lee, Rubens Gerchman e Aguilar.

Op art

Op arte é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões opticas.
A Op Arte (abreviação inglesa para "Arte Óptica") nasceu e se desenvolveu simultaneamente nos Estados Unidos e na Europa
A expressão “op-arte” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.
Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.
Características  Op arte pretende atingir o espectador por meio da combinação de cores frias e quentes e da sobreposição de tramas geométricas. Manifestação artística não distante da arte cinética, envolve procedimentos científicos e artísticos (contrastes, ondulações, interferências) capazes de estimular a retina e criar intensa instabilidade visual.
A Op Art é também caracterizada por testes padrões pretos e brancos ou pelas formas geométricas que usam a repetição de formas e de cores simples criar efeitos vibrantes, um sentido de profundidade, a confusão do primeiro-fundo, e outros efeitos visuais, criando frequentemente a "visão ilusão".
Estruturas em truques da percepção visual: usando linhas de perspectiva dar a impressão do espaço tridimensional, cores misturadas para dar a impressão da luz e de sombra, e assim por diante. Envolvendo o estudo da percepção, os artistas usam formas geométricas como tema em seus trabalhos. É uma pintura que brinca com nossas Percepções ópticas. Tons vibrantes, círculos, concêntricos e formas que parecem pulsarem. Confusão de figura e fundo. Ilusão de movimento. Profundidade. Uso de cores repetitivas e contrastantes
Técnica A dinâmica da pintura na Op Art é alcançada com a oposição de estruturas idênticas que interagem umas com as outras, produzindo o efeito óptico. Diferentes níveis de iluminação também são utilizados constantemente, criando a ilusão de perspectiva. A interação de cores, baseado nos grandes contrastes (preto e branco) ou na utilização de cores complementares são a matéria prima da Op Art.
Principais expoentes Ad Reinhardt -. Bridget Riley -

video fauvismo

 

DADAÍSMO, CUBISLMO E FUTURISMO

Dadaímo

            Movimento literário e artístico findado pelo pintor Hans Arp e pelo poeta Tristan Tzara, nas décadas de 1910 e 1920, em Zurique. Revolucionário, anárquico e anticapitalista, o Dadaísmo pregava o absurdo, o sarcasmo, a sátira crítica e o uso de diversas linguagens, como pintura, poesia, escultura, fotografia e teatro.

            Como reflexo da guerra, o Dadaísmo protestava contra os conflitos mundiais com irreverência, fazendo uma apologia ao incoerente, ao absurdo. Era a negação total.

            Tendo como proposta a antiarte, negava os valores e a organização social.

CARACTERÍSTICAS DA ARTE

            - Improvisação.

            - Desequilíbrio e desordem.
ERNST, Max. A cidade inteira.1934

            Destacam-se os artistas: Hugo Ball, Hans Arp, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Max Ernst, Kurt Schwitters, George Grosz e Man Ray.

            Significado da palavra “dadaísmo”

            A palavra “dada” foi escolhida ao acaso para batizar o movimento. Hugo Ball e Tristan Tzara, dois dos fundadores do Dadaísmo, escolheram aleatoriamente uma palavra num dicionário alemão-francês. Dada, que em francês significa “cavalo de pau”, numa linguagem infantil (pré-lógica), era um termo suficientemente vago e desconexo; ou seja, o ideal para representar o “espírito dadaísta”.

Texto extraído do livro Arte e caminhos: metodologia; ensino fundamental /Cíntia Maria Honório . – Curitiba: Base Editorial,

Surrealismo

            Esse movimento destacou-se, principalmente, nas pinturas, esculturas e produções literárias.

            Foi fundado por André Breton, em 1924. Sob a influência de Freud sobre o inconsciente, os surrealistas pretendiam uma outra realidade, diferente da objetiva, ou seja, uma realidade fundamentada em sonhos. Outro estudioso que influenciou os surrealistas foi Marx, que tomava  posição contra o fascismo.

            Principais representantes: Marc Chagall, Joan Miró, Salvador Dalí, René Magritte e Max Ernest.

CARACTERÍSTICAS DA ARTE

            - Combinação do representativo, abstrato e do psicológico.

            - Liberação da lógica e da razão.

            - Expressão do inconsciente e dos sonhos.
DALÍ, Salvador. A persistência da memória. 1931.

NO BRASIL

            No Brasil, as pinturas de Ismael Nery representam esse movimento. Entretanto, cabe salientar que a obra desse artista, ignorada do público e da crítica até 1965, divide-se em três fases: de 1922 a 1923, a expressionista; de 1924 a 1927, a cubista; e de 1927 a 1934, a surrealista, sendo esta a mais importante.

Texto extraído do livro Arte e caminhos: metodologia; ensino fundamental /Cíntia Maria Honório . – Curitiba: Base Editorial,

Futurismo

            Este movimento artístico e literário surgiu em 20 de fevereiro de 1909, com a publicação do Manifesto Futurista pelo poeta Filippo Tommaso Marinetti. Nesse manifesto, Marinetti exigia a renovação total da cultura e da arte, inspirada nos princípios da sociedade deste período, ou seja, da valorização das máquinas.
BOCCIONI, Umberto. Homem a caminhar 1913.

            Uma das características mais marcantes do futurismo é a busca da representação do movimento, decompondo as formas ou individualizando as linhas, inspirado na velocidade das máquinas. Os artista procuravam descrever a velocidade das figuras em movimento, ou seja, não se interessavam em pintar um avião, mas representar a forma plástica da velocidade descrita por ele no espaço.

Texto extraído do livro Arte e caminhos: metodologia; ensino fundamental /Cíntia Maria Honório . – Curitiba: Base Editorial,

DADAÍSMO

Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que, se tivessem permanecido em seus respectivos países, teriam sido convocados para o serviço militar, o Dada foi um movimento de negação. Durante a Primeira Guerra Mundial, artistas de várias nacionalidades, exilados na Suíça, eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra.
Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências, religião, filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tristan Tzara num dicionário alemão-francês. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". Esse nome escolhido não fazia sentido, assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra.
Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico, selecionado e combinando elementos por acaso. Sendo a negação total da cultura, o Dadaísmo defende o absurdo, a incoerência, a desordem, o caos. Politicamente , firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra.
Ready-Made significa confeccionado, pronto. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular, tratado como objeto de arte por opção do artista.
O Dadaísmo é a total falta de perspectiva diante da guerra; daí ser contra as teorias, as ordenações lógicas. Aliás, também é contra os manifestos, como afirma um dos seus iniciadores, Tristan Tzara (1896-1963), em seu manifesto Dada, 1918:
"Eu escrevo um manifesto e não quero nada, eu digo portanto certas coisas e sou por princípio contra os manifestos, como sou também contra os princípios."
São também palavras dele: "Que cada homem grite: há um grande trabalho destrutivo, negativo, a executar. Varrer, limpar, A propriedade do indivíduo se afirma após o estado de loucura, de loucura agressiva, completa, de um mundo abandonado entre as mãos dos bandidos que rasgam e destroem os séculos." "Liberdade: DADÁ DADÁ DADÁ, uivos das dores crispadas, entrelaçamentos dos contrários e de todas as contradições, dos grotescos, das inconsequencias: A VIDA."
O fim do Dadá como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921.

Principais artistas: Marcel Duchamp, François Picabia, Max Ernest, Man Ray

 

FUTURISMO

O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris, em 22/02/1909, e nele, o poeta italiano Marinetti, dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". O segundo manifesto, de 1910, resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra, Russolo, Severini, Boccioni e Giacomo Balla. Os futuristas saúdam a era moderna, aderindo entusiasticamente à máquina. Para Balla, "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". Para os futuristas, os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo, ou vários tempos num só espaço. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia.
O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. Procura-se neste estilo expressar o movimento real, registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel, mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço.

Principais artistas: GIACOMO BALLA CARLO CARRA UMBERTO BOCCIONI

 

SURREALISMO

Nas duas primeiras décadas do século XX, os estudos psicanalíticos de Freud e as incertezas políticas criaram um clima favorável para o desenvolvimento de uma arte que criticava a cultura européia e a frágil condição humana diante de um mundo cada vez mais complexo. Surgem movimentos estéticos que interferem de maneira fantasiosa na realidade.
O surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da representação do irracional e do subconsciente. Suas origens devem ser buscadas no dadaísmo e na pintura metafísica de Giorgio De Chirico. Este movimento artístico surge todas às vezes que a imaginação se manifesta livremente, sem o freio do espírito crítico, o que vale é o impulso psíquico. Os surrealistas deixam o mundo real para penetrarem no irreal, pois a emoção mais profunda do ser tem todas as possibilidades de se expressar apenas com a aproximação do fantástico, no ponto onde a razão humana perde o controle.
A publicação do Manifesto do Surrealismo, assinado por André Breton em outubro de 1924, marcou historicamente o nascimento do movimento. Nele se propunha a restauração dos sentimentos humanos e do instinto como ponto de partida para uma nova linguagem artística. Para isso era preciso que o Iníciom tivesse uma visão totalmente introspectiva de si mesmo e encontrasse esse ponto do espírito no qual a realidade interna e externa são percebidas totalmente isentas de contradições.
A livre associação e a análise dos sonhos, ambos métodos da psicanálise freudiana, transformaram-se nos procedimentos básicos do surrealismo, embora aplicados a seu modo. Por meio do automatismo, ou seja, qualquer forma de expressão em que a mente não exercesse nenhum tipo de controle, os surrealistas tentavam plasmar, seja por meio de formas abstratas ou figurativas simbólicas, as imagens da realidade mais profunda do ser humano: o subconsciente.
O Surrealismo apresenta relações com o Futurismo e o Dadaísmo. No entanto, se os dadaístas propunham apenas a destruição, os surrealistas pregavam a destruição da sociedade em que viviam e a criação de uma nova, a ser organizada em outras bases. Os surrealistas pretendiam, dessa forma, atingir uma outra realidade, situada no plano do subconsciente e do inconsciente. A fantasia, os estados de tristeza e melancolia exerceram grande atração sobre os surrealistas, e nesse aspecto eles se aproximam dos românticos, embora sejam muito mais radicais.
Principais artistas: Salvador Dali e Juan Miró