resumo 1 para a prova

 EXPRESSIONISMO

Este movimento artístico teve origem em Dresden, Alemanha, entre 1904 e1905, com um grupo chamado Die Brucke, que em português significa A Ponte.

É inegável que o Expressionismo foi uma reação ao Impressionismo, já que esse movimento se preocupou apenas com as sensações de luz e cor, não se importando com os sentimentos humanos e com a problemática da sociedade moderna. Ao contrário, o Expressionismo procurou expressar as emoções humanas e interpretar as angústias que caracterizaram psicologicamente o homem do início do século XX.

Na verdade, essa tendência para traduzir em linhas e cores os sentimentos mais dramáticos do homem já vinha sendo realizado por Van Gogh, que não se preocupava mais em fixar os efeitos efêmeros da luz solar sobre os seres. Como vimos , esse artista procurava, através da cor e da deformação proposital da realidade, fazer com que os seres reais nos revelassem seu mundo interior.

Além de Van Gogh, o pintor norueguês Edvar Munch (1863-1944) também inspirou o movimento expressionista. Sua obra O Grito é um exemplo, nela a figura humana não apresenta sua linhas reais mas contorce-se sob o efeito de suas emoções e a ênfase para as linhas fortes evidenciam a emoção que o artista procura expressar.

Os expressionistas são deformadores sistemáticos da realidade, pois desejam expressar com a maior veemência possível seu pessimismo em relação ao mundo. Assim, realizam uma pintura que foge às regras tradicionais de equilíbrio da composição, da regularidade da forma e da harmonia das cores. Por isso é considerada por alguns como uma pintura feia. Contribui para essa visão negativa a amargura com que às vezes o homem e a natureza são retratados.

Esse clima melancólico e inquietante do expressionismo – historicamente o primeiro grande movimento da pintura moderna – será muitas vezes abandonado e outras tantas retomado ao longo deste agitado século XX.

 

CUBISMO

Historicamente o cubismo originou-se da obra de Cezane, pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros.

Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cezane, passaram a representar os objetos com todas as suas partes um mesmo plano. É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas.

Com o tempo, o cubismo evoluiu em duas grandes tendências chamadas Cubismo analítico e Cubismo sintético. O cubismo analítico foi desenvolvido por Picasso e Braque, aproximadamente entre 1908 e 1911. Esses artistas trabalharam com poucas cores – preto, cinza e alguns tons de marrons e ocre – já que o mais importante para eles era definir um tema e apresentá-lo de todos os lados simultaneamente. Levado às últimas consequências, essa tendência chegou a uma fragmentação tão grande dos seres, que tornou impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas.

Reagindo à excessiva fragmentação dos objetos e à destruição de sua estrutura, os cubistas passaram ao Cubismo sintético. Essa tendência procurou tornar novamente as figuras reconhecíveis. Mas isso não significou o retorno a um tratamento realista do tema. Foi mantido o modo característico de o cubismo apresentar simultaneamente as várias dimensões de um objeto.

O cubismo sintético foi chamado também de colagem porque introduziu letras, palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e objetos inteiros nas pinturas. O artista tinha intenção de criar novos efeitos plásticos e de ultrapassas os limites das sensações visuais, despertando também no observador as sensações táteis.

 

ABSTRACIONISMO

A principal característica da pintura abstrata é a ausência de relação imediata entre suas formas e cores e as formas e cores de um ser. Por isso, uma tela abstrata não representa nada da realidade que nos cerca, nem narra figurativamente alguma cena histórica, literária, religiosa ou mitológica.

Duas tendências firmaram-se com características mais precisas – abstracionismo informal e abstracionismo geométrico.

No abstracionismo informal predominam os sentimentos e emoções. Por isso, as formas e cores são criadas mais livremente, sugerindo associações com os elementos da natureza. A obra Impressão. Domingo de Kandinsky, constitui um bom exemplo dessa tendência.

Já no abstracionismo geométrico, as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas expressão de uma concepção geométrica. As obras do pintor holandês Piet Mondrian são as mais representativas do abstracionismo geométrico.

 

FUTURISMO

Na pintura assim como na literatura, os futuristas – como a própria palavra sugere – exaltavam o futuro sobretudo a velocidade, que passou a ser conhecida e admirada a partir da mecanização das indústrias e da crescente complexidade social que ganharam os grandes centros urbanos.

Para os pintores ligados ao Futurismo, os outros artistas tinham ainda uma visão estática da realidade, ignorando o aspecto mais evidente dos novos tempos. O movimento veloz das máquinas, que provoca a superação do movimento natural.

Em 1910 foi lançado outro manifesto futurista dirigido particularmente à pintura – para esses artistas não interessava a representação de um corpo em movimento, mas sim a expressão do próprio movimento. Como pretendiam evitar qualquer relação com a imobilidade, recusavam toda representação realista e usaram, além de linhas retas e curva, cores que sugerissem convincentemente a velocidade.

 

DADAÍSMO

Movimento literário que deveria expressar suas decepções com o fracasso das ciências, da religião e da filosofia existentes até então, pois se revelaram incapazes de evitar a grande destruição da 1ª guerra mundial que assolava toda a Europa.

Esse movimento foi denominado Dadá, nome escolhido pelo poeta húngaro Tristan Tzara. Ele abriu um dicionário ao acaso e deixou seu dedo cair sobre uma palavra qualquer da página. O dedo indicou a palavra “dada”, que na linguagem infantil francesa significa “cavalo”. Mas isso não tinha a menor importância. Tanto fazia ser essa ou qualquer outra palavra, pois a arte perdia todo o sentido, já que a guerra havia instaurado o irracionalismo no continente.

O Dadaísmo, e principalmente o seu princípio do automatismo psicológico, propiciou o aparecimento do surrealismo.

 

SURREALISMO

Na França, em 1924 o poeta e escritos André Breton (1896-1966) liderou a criação desse movimento e escreveu o seu 1º manifesto, em que associava a criação artística ao automatismo psíquico puro. Desta associação resulta que as obras criadas nada devem à razão, à moral ou à própria preocupação estética. Portanto, para os surrealistas a obra de arte não é resultado de manifestações racionais e lógicas do consciente. Ao contrário, são as manifestações do subconsciente, absurdas, ilógicas como as imagens dos sonhos e das alucinações, que produzem as criações artísticas mais interessantes.

Às vezes, as obras surrealistas representam alguns aspectos da realidade com excesso de realismo. Entretanto, eles aparecem sempre associados às elementos inexistentes na natureza, criando conjuntos irreais.

Dos pintores surrealistas, Salvador Dali (1904-1989) é sem dúvida o mais conhecido, com suas obras A persistência da memória e A Ceia. Ele criou o conceito de “paranoia crítica” para referir-se à atitude de quem recusa a lógica que rege a vida comum das pessoas.

A pintura surrealista desenvolveu duas tendências: a figurativa e a abstrata. Entre os pintores surrealistas de tendência figurativa estão Salvador Dali e Marc Chagall (1887-1985). Já entre os surrealistas de tendência abstrata estão Joan Miró (1893-1983) e Mas Ernest(1891-1976).

 

OP E POP

No início da segunda metade do século XX, os grandes centros urbanos já estão recuperados dos danos causados pela 2ª guerra mundial. A indústria tem sua capacidade de produção redobrada, colocando no mercado artigos que são largamente consumidos pelos habitantes das cidades, que crescem sem parar.

Foi dentro desse contexto social que ganharam força dois modos de expressão artística conhecidos como Op Art e Pop Art. Para o primeiro a arte deveria simbolizar a possibilidade constante de modificações da realidade em que o homem vive. Já a Pop art procurava expressar a realidade contemporânea, sobretudo a cultura da cidade, dominada pela tecnologia industrial.

 

OP ART

A expressão “op art” vem do inglês (optical art) e significa “arte optica”. O seu precursor é Victor Vasarely (1908-1997), criador da plástica do movimento.

As obras da op art apresentam diferentes figuras geométricas, em preto e branco ou coloridas, combinadas de tal modo que provocam no espectador sensações de movimento. Além disso, se o observador mudar de posição terá a impressão de que a obra se modifica: os traços se alteram e as figuras se movimentam, formando um novo conjunto pictórico. Enfim, trata-se de uma arte que, da mesma forma que a vida contemporânea, está em constante alteração.

 

POP ART

A expressão “pop art” também vem do inglês e significa “arte popular”. Esse movimento artístico apareceu nos Estados Unidos por volta de 1960 e alcançou extensa repercussão internacional.

A fonte de inspiração para os artistas ligados a esse movimento era o dia a dia das grandes cidades norte-americanas, pois sua proposta era romper qualquer barreira entre a arte e a vida comum. Para a pop art interessam as imagens, o ambiente, enfim, a vida que a tecnologia industrial criou nos grandes centros urbanos. Os recursos expressivos da arte pop são semelhantes aos meios de comunicação de massa, como o cinema, a publicidade e a TV.

Em consequência disso, seu temas são os símbolos e os produtos industriais dirigidos às massas urbanas: lâmpada elétricas, automóveis, sinais de trânsito, eletrodomésticos, enlatados e até mesmo a imagem das grandes estrelas do cinema norte americano, que também é consumida em massa nos filmes, nas tevês e nas revistas. Um exemplo bastante ilustrativo é o trabalho Marilyn Monroe feito por Andy Warhol (1930-1987).

Nesse trabalho, realizado a partir de uma fotografia, Andy Warhol reproduz, em sequência, imagens de Marilyn Monroe que, apesar das variações de cor permanecem invariáveis.

Com isso, o artista talvez quisesse mostrar que assim como os objetos são produzidos em série, os mitos contemporâneos também são manipulados para o consumo do grande público.

Livro: História da Arte
Autora: Graça Proença
Editora: Ática 2ª edição  

Questões resolvidas

1 - Que estilo artístico veio substituir o Rococó? neoclassicismo

2 – Quais eram os ideais do neoclassicismo?  retomar os princípios da arte da antiguidade greco-romana a outra denominação – Academicismo – deveu-se ao fato de que as concepções artísticas do mundo greco-romano tornaram-se conceitos  básicos para o ensino das artes nas academias mantidas pelos governos europeus.

3- quais eram os padrões estéticos neoclássicos? uma obra só seria perfeitamente bela na medida em que imitasse não as formas da natureza, mas as que os artistas clássicos gregos e os renascentistas italianos já haviam criado.

4- quem foi o maior representante da pintura neoclássica? Jacques Louis David ( 1748 – 1825)

5- a pintura romântica se aproxima de que estilo artístico do passado? barroco

6- quais são os elementos estéticos da pintura romântica? podemos observar nos quadros românticos é a composição em diagonal, que sugere instabilidade e dinamismo. A cor é novamente valorizada e os contrastes de claro-escuro reaparecem, produzindo efeito de dramaticidade.

- em que período artístico que a natureza ganha importância deixando de ser pano de fundo para ser tema de pintura? romantismo

- quais eram os ideais estéticos do realismo? O homem europeu, que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza, convenceu-se de que precisava ser realista, inclusive em suas criações artística, deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade.

- o escultor August Rodin é considerado um artista que participou de dois movimentos artísticos, quais são eles? Realismo e impressionismo.

- a chamada pintura social surgiu em que momento artístico e por quê? Realismo, denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. Surgiu com a industrialização que provocou o aparecimento de uma grande massa de trabalhadores vivendo nas cidades em condições precárias e até desumanas.

-qual foi o movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX?  impressionismo

-qual foi a primeira obra impressionista e que foi seu criador? Impressão: o nascer do sol de Claude Monet

- Cite 4 considerações gerais da pintura impressionista? - A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento, pois as cores da natureza se modificam constantemente, dependendo da incidência da luz do sol.

- As figuras não devem ter contornos nítidos, pois alinha é uma abstração do ser humano para representar as imagens.

- As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como a impressão visual que nos causam, e não escuras e pretas, como os pintores estavam acostumados a representa-las no passado.

- Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares.

- As cores e tonalidade não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. Pelo contrário devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. A mistura deixa de ser técnica para ser optica.

- Temática principal é a paisagem.

- Perspectiva obtida pela gradação de tons.

- por que os artistas impressionistas saíram dos seus ateliês e foram pintar ao ar livre? Porque eles precisavam pintar a luz do sol para ver a gradação de tons sobre os objetos e a natureza em si.

- por que a obra de August Rodin é considerada impressionista? Porque nas esculturas de Rodin a superfície possui ondulações e aspereza que são à obra um aspecto enrugado, permitindo assim, dependendo da luz que incida sobre ela, constantes variações de reflexos e sombras.

- cite alguns artistas do pós-impressionismo? Paul Cezanne, Georges Seureat, Van Gogh, Paul Gauguin, Henri Toulouse-Lautrec.

- o que significa a palavra fauve? Feras

- como e por que surgiu o termo fauvismo na arte? Pela maneira agressiva e colorida de pintar as telas

- quais são os dois princípios básicos que regem o movimento artístico fauvista? a simplificação das formas das figuras e o emprego das cores puras. Por isso as figuras fauvistas são apenas sugeridas e não representadas realisticamente pelo pintor. Da mesma forma as cores não são as da realidade.

 

IMAGENS PARA O TESTE

NEOCLASSICISMO
A morte de Marat, de Jacques-Louis David, em 1793

 NEOCLASSICISMO
Londres Fachada del British Museum

 ROMANTISMO

Federico de Madrazo y Kuntz, A Condessa de Vilches, Museu do Prado, Madrid, Espanha.

REALISMO

 Jean-François Millet (1814-1875) As Respigadeiras, 1857, Óleo sobre tela, Paris, Museu d'Orsay

REALISMO
 Os Quebradores de Pedras

REALISMO
Almoço na Relva (1863) - Édouard Manet

IMPRESSIONISMO
CLAUDE MONET PINTANDO EM SEU BARCO ESTUDIO  -  MANET

"O      

beijo" - Rodin

1° OBRA IMPRESSIONISTA

Impressão – Nascer do Sol”, de Claude Monet

IMPRESSIONISMO

AULA DE DANÇA  -  DEGAS

PÓS IMPRESSIONISMO
ARTISTA Paul Gauguin:

PÓS IMPRESSIONISMO

MOULIN ROUGE
ARTISTA LOULOUSE LAUTREC

FAUVISMO
VELEIROS NA PRAIA  -   DERAIN

FAUVISMO
 NYMPH  E SATYR  -  MATISSE

RESUMO PARA TESTE 3º TRIMESTRE

NEOCLASSICISMO

Uma nova tendência estética predominou nas criações artísticas da Europa entre o final do séc. XVIII e no início do séc. XIX, trata-se do academicismo ou neoclassicismo, que expressou valores próprios de uma burguesia fortalecida.

Esse estilo chamou-se Neoclassicismo porque retomou os princípios da arte da antiguidade greco-romana a outra denominação – Academicismo – deveu-se ao fato de que as concepções artísticas do mundo greco-romano tornaram-se conceitos  básicos para o ensino das artes nas academias mantidas pelos governos europeus.

De acordo com a tendência neoclássica, uma obra só seria perfeitamente bela na medida em que imitasse não as formas da natureza, mas as que os artistas clássicos gregos e os renascentistas italianos já haviam criado. Esse trabalho de imitação só era possível através de um cuidadoso aprendizado das técnicas e convenções da arte clássica. Por isso o convencionalismo e o tecnicismo reinaram nas academias de belas-artes, até serem questionadas pela arte moderna.

ARQUITETURA: Tanto nas construções civis quanto nas religiosas, a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou das edificações do renascimento italiano. Exemplo dessa arquitetura é a igreja de Santa Genoveva.

PINTURA: A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana, sobretudo em Rafael, mestre inegável do equilíbrio da composição e da harmonia do colorido. O maior representante da pintura neoclássica é sem dúvida Jacques Louis David (1748-1825). Suas obras geralmente expressavam um vibrante realismo mas algumas delas exprimem fortes emoções, como é o caso do quadro que retrata a morte de seu amigo Marat.

ROMANTISMO

O séc. XIX foi agitado por fortes mudanças sociais, políticas e culturais causadas pela revolução industrial, e pela revolução francesa no final do séc. XVIII. Por isso quando estudamos a arte do séc. XIX, entramos em contato com movimentos artísticos muito diferentes como é o caso do Romantismo, do Realismo, do Impressionismo, do Pós-Impressionismo. Dentro desses movimentos artísticos o primeiro que vamos estudar é o romantismo, que se caracteriza como uma reação ao Neoclassicismo do séc. XVIII e historicamente situa-se entre 1820 e 1850.

Enquanto os artistas Neoclássicos voltavam-se para a imitação da arte greco-romana e dos mestres do renascimento italiano, submetendo-se às regras determinadas pelas escolas de belas-artes, os românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. Assim de modo geral, podemos afirmar que a característica mais marcante do Romantismo é a valorização dos sentimentos e da imaginação como princípios da criação artística. Ao lado dessas características mais gerais, outros valores compuseram a estética romântica, tais como o sentimento do presente, o nacionalismo e a valorização da natureza.

PINTURA: Ao negar a estética neoclássica, a pintura romântica aproxima-se das formas barrocas. Outro elemento que podemos observar nos quadros românticos é a composição em diagonal, que sugere instabilidade e dinamismo. A cor é novamente valorizada e os contrastes de claro-escuro reaparecem, produzindo efeito de dramaticidade.

Quanto aos temas, os fatos reais da história nacional e contemporânea despertaram maior interesse dos artistas dos que os da mitologia greco-romana. A natureza ganha importância, deixa de ser apenas pano de fundo e passa a ser tema da pintura.

REALISMO

Entre 1850 e 1900 surge nas artes europeias, sobretudo na pintura francesa, uma nova tendência estética chamada Realismo, que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. O homem europeu, que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza, convenceu-se de que precisava ser realista, inclusive em suas criações artística, deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade.

ARQUITETURA: Esses novos ideais estéticos manifestaram-se em todas as artes. A arquitetura por exemplo, adaptou-se ao novo contexto social, os arquitetos e engenheiros procuraram responder adequadamente às novas necessidades urbanas criadas pela industrialização. Elas precisavam de fábricas, estações ferroviárias, armazéns, lojas, bibliotecas, escolas, hospitais e moradias, tanto para os operários quanto para a nova burguesia.

ESCULTURA: A escultura realista procurou criar os seres tais como eles são. Além disso escultores preferiam temas contemporâneos assumindo muitas vezes uma intenção políticas em suas obras. Dentre os escultores do período realista o que mais se destaca é August Rodin (1840 – 1917).

PINTURA: A pintura realista do século XIX caracteriza-se sobre tudo pelo princípio de que o artista deve representar a realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um fenômeno da natureza. Ao artista não cabe “melhorar” artisticamente a natureza, pois a beleza está na realidade tal qual ela é. Sua função é apenas revelar os aspectos mais característicos e expressivos da realidade.

A pintura realista deixou completamente de lado os temas mitológicos, bíblicos, históricos e literários, pois o importante é a criação a partir de uma realidade imediata e não imaginada.

Surge a chamada “pintura social”, denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia.

Dentre os representantes da pintura realista podemos apontar Courbet , Manet e Millet.

IMPRESSIONISMO

O impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do séc. XX.

Os pintores impressionistas procuraram, a partir da observação direta do efeito da luz solar sobre os objetos, registrar em suas telas as constantes alterações que essa luz provoca nas cores da natureza.

Havia algumas considerações gerais que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizam a pintura impressionista.

- A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento, pois as cores da natureza se modificam constantemente, dependendo da incidência da luz do sol.

- As figuras não devem ter contornos nítidos, pois alinha é uma abstração do ser humano para representar as imagens.

- As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como a impressão visual que nos causam, e não escuras e pretas, como os pintores estavam acostumados a representa-las no passado.

- Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares.

- As cores e tonalidade não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. Pelo contrário devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. A mistura deixa de ser técnica para ser optica.

- Temática principal é a paisagem.

- Perspectiva obtida pela gradação de tons.

O artista impressionista centrou-se sobre tudo na paisagem e seu interesse voltou-se para a natureza. Dessa forma deu pouca importância aos temas sociais.

O movimento impressionista, que teve sua maior expressão na pintura, também influenciou alguns escultores, entre eles destacamos Edgar Degas e August Rodin. Nas esculturas de Rodin a superfície possui ondulações e aspereza que são à obra um aspecto enrugado, permitindo assim, dependendo da luz que incida sobre ela, constantes variações de reflexos e sombras.

PÓS-IMPRESSIONISMO

Alguns artistas consideravam o Impressionismo um estilo superficial que retratava apenas cenas passageiras e que não dava importância ao sentimento e acontecimentos políticos e sociais. Outros sentiam-se insatisfeitos e limitados com a técnica impressionista. Dessa forma, muitas tendências surgiram na pintura no final do séc. XIX e início do séc. XX, e a essas diversas tendências foi dado o nome de pós-impressionismo. Alguns artistas que fizeram parte do pós-impressionismo: Paul Cezanne, Georges Seureat, Van Gogh, Paul Gauguin, Henri Toulouse-Lautrec.

FAUVISMO

A denominação Fauves (feras) foi criada pelo crítico francês Louis Vauxelles, segundo ele as obras pareciam pintadas por feras, referindo-se a intensidade das cores puras, que eram usadas sem mistura de matizes.

Diferentes de outros movimentos artísticos, o fauvismo não institui regras a serem seguidas, cada pintor desenvolvia sua técnica com características próprias, tendo, entretanto, em comum a paixão pela cor e o desejo de trabalhar a natureza com total liberdade.

Dois princípios regem esse movimento artístico: a simplificação das formas das figuras e o emprego das cores puras. Por isso as figuras fauvistas são apenas sugeridas e não representadas realisticamente pelo pintor. Da mesma forma as cores não são as da realidade. Elas resultam de uma escolha arbitrária do artista e são usadas puras, tal como estão no tubo de tinta. O pintor não a torna mais suave nem cria gradações de cores.

É certo que os fauvistas foram os responsáveis pelo desenvolvimento do gosto pelas cores puras, que atualmente estão nos inúmeros objetos do nosso cotidiano.

Dos pintores fauvistas, Matisse, foi sem dúvida a maior expressão. Sua característica mais forte é a despreocupação com o realismo em relação às formas das figuras quanto em relação às cores.

Livro: História da Arte
Autora: Graça Proença
Editora: Ática 2ª edição

XEROX DO LIVRO   
LIVRO: ARTE, HISTÓRIA E PRODUÇÃO 2
AUTOR: CARLA PAULA BRONDI CALABRIA E RAQUEL VALLE MARTINS
EDITORA: FDT

Pop e op art

Pop Art

Origem do nome O primeiro a utilizar essa denominação foi o crítico inglês Lawrence Alloway, em 1954, para designar os produtos da cultura popular ocidental, principalmente os que vinham dos Estados Unidos (como cinemas e histórias em quadrinhos).

 Surgimento Foi um movimento que começou a tomar formato final da década de 50, quando alguns artistas estudaram símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos e passaram atransformá-los em tema de suas obras.

 Representação As obras desse movimento representavam os componentes mais ostensivos da cultura popular, aqueles que tinham uma grande influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX.

 Pop Art e o Expressionismo  A Pop Art, por ser figurativa, surgiu em o posição ao expressionismo abstrato, que dominava acena estética desde o final da Segunda Guerra Mundial. Alguns críticos até consideram esse movimento uma maneira do artista se distanciar da dura realidade da guerra.

Objetivo Tinha como objetivo criticar o modo de produção do capitalismo, criticar a sociedade devido ao uso exagerado dos objetos de consumos.

 Produção Produzia suas obras com signos estéticos massificados da publicidade e do consumo usando materiais como tinta acrílica, poliéster e latéx e produtos com cores intensas, brilhantes e vibrantes. Reproduzia os objetos do cotidiano em tamanho grande, transformando assim o real em hiper-real.

Características estéticas • Serigrafia• Montagens de fotografias feitas a partir de recortes de revistas • Anúncios e cartazes publicitários• Uso de pinturas de formas simples, sem volume ou luz e sombra. • Cores fortes e chamativas• Estilo fabril de produção• Impessoalidade nas obras Artista: Andy Warhol Obra: Marilyn Monroe

Os temas das obras Eram retirados dos meios de comunicação e dos produtos consumidos• Quadrinhos, cantores, atores, carros, pin- ups eram retratados à exaustão. • A pop arte é uma forma de critica e ao mesmo tempo de celebração à sociedade capitalista

Contradição Ao mesmo tempo em que a Pop Art criticava o modo de produção e consumo exagerados, se apoiava e necessitava desses objetos, utilizando-os como inspiração e muitas vezes os multiplicando, fazendo a ilustração de um mesmo objeto diversas vezes na mesma obra. Esta técnica ficou conhecida como serigrafia.

 Principais Representantes No meio de tantos artistas, podemos destacar os americanos Andy Warhol e Roy Lichtenstein. Mas podemos citar também os americanos Robert Rauschenberg, Wayne Thiebaud e o inglês Peter Blake.

 Pop Art no Brasil Nesta época, no Brasil, iniciava-se um período de ditadura. Portanto boa parte das obras produzidas no Pop Art. brasileiro trazia referência às denúncias de tortura e violência. Encontrou-se nesse movimento uma maneira de se opor a repressão. As obras refletiam nosso cotidiano, o que fez com que a Pop Art. do Brasil ganhasse seu próprio estilo, onde predominava a temática social dos anos 60.

 Comparação da Pop Art. americana e brasileira Em comparação a Pop Art americana a brasileira era mais precária, porém não perdia sua qualidade artística e conceitual. Enquanto a americana era produzida com técnicas e materiais de boa qualidade, a brasileira se desenvolveu utilizando materiais alternativos e reaproveitados. E foi com essa precariedade que a Pop Art brasileira encantou o público.

 Artistas do Pop Art brasileiro Dentre os artistas brasileiros, destacam-se Nitsche, Claúdio Tozzi, Wesley Duke Lee, Rubens Gerchman e Aguilar.

Op art

Op arte é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões opticas.
A Op Arte (abreviação inglesa para "Arte Óptica") nasceu e se desenvolveu simultaneamente nos Estados Unidos e na Europa
A expressão “op-arte” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.
Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.
Características  Op arte pretende atingir o espectador por meio da combinação de cores frias e quentes e da sobreposição de tramas geométricas. Manifestação artística não distante da arte cinética, envolve procedimentos científicos e artísticos (contrastes, ondulações, interferências) capazes de estimular a retina e criar intensa instabilidade visual.
A Op Art é também caracterizada por testes padrões pretos e brancos ou pelas formas geométricas que usam a repetição de formas e de cores simples criar efeitos vibrantes, um sentido de profundidade, a confusão do primeiro-fundo, e outros efeitos visuais, criando frequentemente a "visão ilusão".
Estruturas em truques da percepção visual: usando linhas de perspectiva dar a impressão do espaço tridimensional, cores misturadas para dar a impressão da luz e de sombra, e assim por diante. Envolvendo o estudo da percepção, os artistas usam formas geométricas como tema em seus trabalhos. É uma pintura que brinca com nossas Percepções ópticas. Tons vibrantes, círculos, concêntricos e formas que parecem pulsarem. Confusão de figura e fundo. Ilusão de movimento. Profundidade. Uso de cores repetitivas e contrastantes
Técnica A dinâmica da pintura na Op Art é alcançada com a oposição de estruturas idênticas que interagem umas com as outras, produzindo o efeito óptico. Diferentes níveis de iluminação também são utilizados constantemente, criando a ilusão de perspectiva. A interação de cores, baseado nos grandes contrastes (preto e branco) ou na utilização de cores complementares são a matéria prima da Op Art.
Principais expoentes Ad Reinhardt -. Bridget Riley -

video fauvismo

 

DADAÍSMO, CUBISLMO E FUTURISMO

Dadaímo

            Movimento literário e artístico findado pelo pintor Hans Arp e pelo poeta Tristan Tzara, nas décadas de 1910 e 1920, em Zurique. Revolucionário, anárquico e anticapitalista, o Dadaísmo pregava o absurdo, o sarcasmo, a sátira crítica e o uso de diversas linguagens, como pintura, poesia, escultura, fotografia e teatro.

            Como reflexo da guerra, o Dadaísmo protestava contra os conflitos mundiais com irreverência, fazendo uma apologia ao incoerente, ao absurdo. Era a negação total.

            Tendo como proposta a antiarte, negava os valores e a organização social.

CARACTERÍSTICAS DA ARTE

            - Improvisação.

            - Desequilíbrio e desordem.
ERNST, Max. A cidade inteira.1934

            Destacam-se os artistas: Hugo Ball, Hans Arp, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Max Ernst, Kurt Schwitters, George Grosz e Man Ray.

            Significado da palavra “dadaísmo”

            A palavra “dada” foi escolhida ao acaso para batizar o movimento. Hugo Ball e Tristan Tzara, dois dos fundadores do Dadaísmo, escolheram aleatoriamente uma palavra num dicionário alemão-francês. Dada, que em francês significa “cavalo de pau”, numa linguagem infantil (pré-lógica), era um termo suficientemente vago e desconexo; ou seja, o ideal para representar o “espírito dadaísta”.

Texto extraído do livro Arte e caminhos: metodologia; ensino fundamental /Cíntia Maria Honório . – Curitiba: Base Editorial,

Surrealismo

            Esse movimento destacou-se, principalmente, nas pinturas, esculturas e produções literárias.

            Foi fundado por André Breton, em 1924. Sob a influência de Freud sobre o inconsciente, os surrealistas pretendiam uma outra realidade, diferente da objetiva, ou seja, uma realidade fundamentada em sonhos. Outro estudioso que influenciou os surrealistas foi Marx, que tomava  posição contra o fascismo.

            Principais representantes: Marc Chagall, Joan Miró, Salvador Dalí, René Magritte e Max Ernest.

CARACTERÍSTICAS DA ARTE

            - Combinação do representativo, abstrato e do psicológico.

            - Liberação da lógica e da razão.

            - Expressão do inconsciente e dos sonhos.
DALÍ, Salvador. A persistência da memória. 1931.

NO BRASIL

            No Brasil, as pinturas de Ismael Nery representam esse movimento. Entretanto, cabe salientar que a obra desse artista, ignorada do público e da crítica até 1965, divide-se em três fases: de 1922 a 1923, a expressionista; de 1924 a 1927, a cubista; e de 1927 a 1934, a surrealista, sendo esta a mais importante.

Texto extraído do livro Arte e caminhos: metodologia; ensino fundamental /Cíntia Maria Honório . – Curitiba: Base Editorial,

Futurismo

            Este movimento artístico e literário surgiu em 20 de fevereiro de 1909, com a publicação do Manifesto Futurista pelo poeta Filippo Tommaso Marinetti. Nesse manifesto, Marinetti exigia a renovação total da cultura e da arte, inspirada nos princípios da sociedade deste período, ou seja, da valorização das máquinas.
BOCCIONI, Umberto. Homem a caminhar 1913.

            Uma das características mais marcantes do futurismo é a busca da representação do movimento, decompondo as formas ou individualizando as linhas, inspirado na velocidade das máquinas. Os artista procuravam descrever a velocidade das figuras em movimento, ou seja, não se interessavam em pintar um avião, mas representar a forma plástica da velocidade descrita por ele no espaço.

Texto extraído do livro Arte e caminhos: metodologia; ensino fundamental /Cíntia Maria Honório . – Curitiba: Base Editorial,

DADAÍSMO

Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que, se tivessem permanecido em seus respectivos países, teriam sido convocados para o serviço militar, o Dada foi um movimento de negação. Durante a Primeira Guerra Mundial, artistas de várias nacionalidades, exilados na Suíça, eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra.
Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências, religião, filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tristan Tzara num dicionário alemão-francês. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". Esse nome escolhido não fazia sentido, assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra.
Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico, selecionado e combinando elementos por acaso. Sendo a negação total da cultura, o Dadaísmo defende o absurdo, a incoerência, a desordem, o caos. Politicamente , firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra.
Ready-Made significa confeccionado, pronto. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular, tratado como objeto de arte por opção do artista.
O Dadaísmo é a total falta de perspectiva diante da guerra; daí ser contra as teorias, as ordenações lógicas. Aliás, também é contra os manifestos, como afirma um dos seus iniciadores, Tristan Tzara (1896-1963), em seu manifesto Dada, 1918:
"Eu escrevo um manifesto e não quero nada, eu digo portanto certas coisas e sou por princípio contra os manifestos, como sou também contra os princípios."
São também palavras dele: "Que cada homem grite: há um grande trabalho destrutivo, negativo, a executar. Varrer, limpar, A propriedade do indivíduo se afirma após o estado de loucura, de loucura agressiva, completa, de um mundo abandonado entre as mãos dos bandidos que rasgam e destroem os séculos." "Liberdade: DADÁ DADÁ DADÁ, uivos das dores crispadas, entrelaçamentos dos contrários e de todas as contradições, dos grotescos, das inconsequencias: A VIDA."
O fim do Dadá como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921.

Principais artistas: Marcel Duchamp, François Picabia, Max Ernest, Man Ray

 

FUTURISMO

O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris, em 22/02/1909, e nele, o poeta italiano Marinetti, dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". O segundo manifesto, de 1910, resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra, Russolo, Severini, Boccioni e Giacomo Balla. Os futuristas saúdam a era moderna, aderindo entusiasticamente à máquina. Para Balla, "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". Para os futuristas, os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo, ou vários tempos num só espaço. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia.
O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. Procura-se neste estilo expressar o movimento real, registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel, mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço.

Principais artistas: GIACOMO BALLA CARLO CARRA UMBERTO BOCCIONI

 

SURREALISMO

Nas duas primeiras décadas do século XX, os estudos psicanalíticos de Freud e as incertezas políticas criaram um clima favorável para o desenvolvimento de uma arte que criticava a cultura européia e a frágil condição humana diante de um mundo cada vez mais complexo. Surgem movimentos estéticos que interferem de maneira fantasiosa na realidade.
O surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da representação do irracional e do subconsciente. Suas origens devem ser buscadas no dadaísmo e na pintura metafísica de Giorgio De Chirico. Este movimento artístico surge todas às vezes que a imaginação se manifesta livremente, sem o freio do espírito crítico, o que vale é o impulso psíquico. Os surrealistas deixam o mundo real para penetrarem no irreal, pois a emoção mais profunda do ser tem todas as possibilidades de se expressar apenas com a aproximação do fantástico, no ponto onde a razão humana perde o controle.
A publicação do Manifesto do Surrealismo, assinado por André Breton em outubro de 1924, marcou historicamente o nascimento do movimento. Nele se propunha a restauração dos sentimentos humanos e do instinto como ponto de partida para uma nova linguagem artística. Para isso era preciso que o Iníciom tivesse uma visão totalmente introspectiva de si mesmo e encontrasse esse ponto do espírito no qual a realidade interna e externa são percebidas totalmente isentas de contradições.
A livre associação e a análise dos sonhos, ambos métodos da psicanálise freudiana, transformaram-se nos procedimentos básicos do surrealismo, embora aplicados a seu modo. Por meio do automatismo, ou seja, qualquer forma de expressão em que a mente não exercesse nenhum tipo de controle, os surrealistas tentavam plasmar, seja por meio de formas abstratas ou figurativas simbólicas, as imagens da realidade mais profunda do ser humano: o subconsciente.
O Surrealismo apresenta relações com o Futurismo e o Dadaísmo. No entanto, se os dadaístas propunham apenas a destruição, os surrealistas pregavam a destruição da sociedade em que viviam e a criação de uma nova, a ser organizada em outras bases. Os surrealistas pretendiam, dessa forma, atingir uma outra realidade, situada no plano do subconsciente e do inconsciente. A fantasia, os estados de tristeza e melancolia exerceram grande atração sobre os surrealistas, e nesse aspecto eles se aproximam dos românticos, embora sejam muito mais radicais.
Principais artistas: Salvador Dali e Juan Miró